Dunkirk

Scritto da  Pubblicato in Recensioni Mercoledì, 06 Settembre 2017 17:45

 

La settimana dal 27 maggio al 4 giugno 40 fu cruciale:  intrappolati a Dunkerque, in Francia, c’erano 400mila soldati inglesi e francesi, a tiro dei nazisti. Il trasbordo miracoloso di circa 340mila di questi in Inghilterra, preservò, nonostante la sconfitta, le sorti successive della II Guerra. Il regista e sceneggiatore inglese Christopher Nolan, da tempo, in particolare dopo la trilogia di Batman-il Cavaliere Oscuro, riconosciuto universalmente autore se non Maestro del cinema, ha realizzato questo grande film (USA-UK-OL-FRA, 17) storico su un episodio assai importante della storia del secolo scorso. Non a caso il titolo è la lettura inglese del toponimo francese: volendo mettere in evidenza la particolarità dell’approccio e del punto di vista. Essi sono dati dalla soggettività “dal basso” di un soldatino inglese bloccato (l’attore Fionn Whithead), come tutti i suoi commilitoni, su quella spiaggia, in attesa di un destino di prigionia o morte. Data l’impossibilità di essere trasportati sulla pur vicina Inghilterra. E’ assai significativa la sequenza in cui il ragazzo ascolta ciò che i massimi responsabili militari stanno dicendo sulle difficoltà della ritirata: è lui ad “introdurci”, stendhalianamente, nel senso della “grande storia”. Fino a quel momento noi abbiamo assistito ad un caotico spostamento di soldati, scontri con nemici invisibili, ma implacabili e spietati come gli incubi, sempre pronti a colpire, dovunque e senza che sia possibile ripararsi e rispondere. Solo in un secondo momento, sempre seguendo o sguardo e i movimenti di questo ragazzo in uniforme, a fatica, ci rendiamo conto, in una grande visione complessiva, dell’estrema difficoltà dell’esercito inglese e dei resti di quello francese in rotta. E’ proprio lo stesso autore che ha padroneggiato la complessa stratificazione, e perfino multipolarità della fantasia, e del suo labirintico intersecarsi nell’immaginario individuale, e del suo fascino, nel bellissimo, originale e misterioso “Inception”(10), a definire, con altrettale nitore concettuale, il rapporto col reale storico del presente film . Ha dichiarato: ”La realtà (…) ha un tempo tutto suo: dilatato, dolce e frantumato. Ti obbliga a vedere ogni suo aspetto, sia pur contraddittorio”. Ed è questa la chiave stilistica. Che lo differenzia dai grandi film di Hollywood che sulla II Guerra hanno formato l’immaginario planetario: cioè da “Salvate il Soldato Ryan” di Steven Spieberg e “La sottile linea rossa” di Terrence Malick; tutti e due del 98. Dal primo spielbergiano lo differenzia soprattutto lo stile, che appare sospeso tra le dimensioni di “cielo, terra e mare” (come ha detto il regista), che sembrano “ragionare” quasi prescindendo dai destini singoli. In realtà la genialata della regia è che dall’insieme della narrazione si manifesta una dimensione che noi avvertiamo come ritardata rispetto ai tempi reali delle azioni drammatiche che pure avvengono. E’ come se i tempi fisici si riavvolgessero continuamente su loro stessi. Ovvero sulle modalità concrete, quasi dissociate, di percezione, attraverso questi, degli eventi stessi elaborati dagli uomini che stanno “vivendo”, nelle apparenze del subire, in maniera disordinata e parcellizzata, il loro combattere e/o fuggire. E’ chiaro che questa è la cifra concettuale personale, direi ontologica sul tempo e lo spazio, dell’autore di “Inception”, e prima ancora di “Memento” (00); e che, segnatamente, è stata oggetto di un’accurata riflessione fisica (ispirata al tempo “quantico”) e filosofica di “Interstellar” (14). In questo senso “rallentante” cinematografico dei tempi reali, c’è un rapporto con l’altro regista: Malick. Però quest’ultimo se ne serve in una chiave squisitamente e quasi esclusivamente lirico-poetica; che, anche se ha dato dei capolavori,  talvolta, specie negli ultimi film, appare fragile e fine a sé stessa. Mentre la freskura di Nolan è che tutto l’ambaradam di cotanto “penziero penzato” non si sovrappone pallosamente sul fluire spettacolare del film: ma vi si riesce ad innestare con magica semplicità, direi quasi. E ciò avviene perché l’energia narrativa del regista convoglia nella sua sceneggiatura questa grande tensione soggettiva, con determinazione, coerenza e forte consapevolezza mirata, sulla chiara finalità tematica, in sé storico-valoriale del film. Quella di ragionare in modo non schematico sull’episodio, assai importante, della II Guerra; cogliendone aspetti politici rilevanti. Soprattutto quello di forte e strenuo segnale di esemplare e popolare resistenza democratica di fronte all’incalzare del mostro nazista, che proprio in quel momento sembrava realmente invincibile: fino a trasformare nel cuore, cioè nell’immaginario e nella stessa memoria storica del popolo inglese, galvanizzato dalle bellissime parole di W. Churchill, quanto mai energiche e appropriate, questa rotta, in una vittoria strategica, tesa al futuro. E in cui l’aspetto preminente è il senso di speranza, come dice splendidamente nel sottofinale l’attore Kenneth Branagh, quasi sospirando. In particolare è da mettere in evidenza l’uso del montaggio, curato dall’australiano Lee Smith, ma da tempo operante a Hollywood e lungamente collaboratore di Nolan: insieme hanno costruito l’uso del tempo di “Inception”. Ma qui è ancora più evidente il lavoro di elaborazione: attraverso suture anche sottili, hanno scompaginato la linearità e ricomposto le situazioni narrative. Noi ce ne rendiamo appena conto, ma vi sono diversi “ritorni” e scomposizioni/ricomposizioni dei piani temporali nel film del film. Essi sono raccordati in modi visualmente morbidi, non violenti, ma chiari: tali da chiudere le vicende dei singoli personaggio e gli sviluppi delle diverse situazioni. Come gli episodi riguardanti i duelli aerei e, in particolare, quello riguardante il pilota, interpretato da un asciutto e antiretorico Tom Hardy, che salva la fase finale dei trasbordi. Essi avvengono, e ne sono la cornice aerea, in tempi diversi dai fatti sul terreno; e vi si congiungono con assoluta eleganza e flessuosità di ritmi narrativi. Benché aperto e largo, lo spazio è visualmente limitato, perché, alle apparenze, dominabile e comprensibile. Ma il miracolo delle riprese è stato quello di avere concentrato psicologicamente e emotivamente le tensioni negli spazi chiusi: il conflitto concettual-visivo tra la rigidità di queste dimensioni, stive di navi, barche e barchette, e la cornice sconfinata, non poteva essere più azzeccata e utilizzata in maniera coinvolgente e spettacolare. Suggeriva il senso di pericolo imminente e di ineluttabilità, senza far (quasi) ricorso ai soliti effetti speciali in CGI. Tutto è molto materico nel film: prevalgono gli Effetti Speciali su quelli Visuali. Del resto l’accurata e rigorosa precisione marinara dei navigli adottati dà ulteriormente quel senso di immediatezza storica: ma essa è soprattutto tematica, ed appartiene alla genialità del regista e al talento dei suoi collaboratori artistici. Oltre al montaggio, è da ricordare la direzione della foto dello svizzero Hoyte Van Hoteyma, molto bravo nel creare l’atmosfera visuale unitaria con l’uso della luce sia naturale che artificiale negli spazi interni. La sua è un’atmosfera di vibrazioni luminose, che “variano” quell’apparente stabilità diurna di uno spazio senza chiarore: come di una dimensione dell’anima collettiva dei soldati. La musica di Hans Zimmer dà un contributo di sintesi sonora di forte impressione: si rileva anche nei micro trailer utilizzati nel lancio dei film. Tra gli attori, il non militare Mark Rylance esprime con semplicità e umanità il forte coinvolgimento collettivo delle centinaia di proprietari dei natanti che salvarono i soldati inglesi e le sorti della guerra.  

 

 

Ciccio Capozzi

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